No último verão, teci uma paisagem — uma paisagem que começou no meu ateliê em Nova York e que, mais tarde, viajou comigo em uma mala de mão através do Oceano Pacífico até o Havaí. O trabalho nasceu do desejo de compreender o que acontece com uma paisagem quando ela é transportada pela memória, pela distância e pela migração. Desde que deixei Teerã, muitas vezes experimento a paisagem como uma forma de conexão com o lar. O céu, as montanhas, os rios e as mudanças de luz ao meu redor podem, de repente, me transportar de volta a Teerã e às Montanhas Alborz. Ao mesmo tempo, viver em Nova York, ao nível do mar, me proporcionou paisagens completamente diferentes para habitar. Meu trabalho se desenvolve no espaço entre esses lugares, onde uma paisagem se sobrepõe à outra.
Comecei a incorporar tecidos à minha prática artística em 2016, mas os têxteis fazem parte da minha vida desde sempre. Minha mãe foi — e continua sendo — a influência mais importante nessa relação. Nossa casa estava sempre repleta de tecidos: cortinas, lençóis e os muitos chador namazes (véus de oração) da minha mãe. Quando crianças, meu irmão e eu construíamos uma grande tenda em nosso quarto usando alguns de seus chadors, criando um espaço que ocupava quase todo o cômodo. Eu adorava o mundo que surgia entre as dobras do tecido. Deitada sobre os tapetes e olhando para o teto com estampas florais, sentia como se tivesse entrado em outra realidade. Havia algo de surreal e profundamente alegre em habitar aquele espaço temporário.
Outra lembrança marcante é a de minha mãe mergulhando em tinta índigo cortinas brancas que haviam adquirido um tom levemente amarelado devido aos dias ensolarados de Teerã. Eu observava o tecido se transformar, enquanto o amarelado dava lugar a tons límpidos de azul-claro, mais próximos do branco, antes de pendurá-las no terraço para secar ao vento. Essas memórias moldaram minha compreensão do tecido não apenas como material, mas como algo capaz de transformar um espaço, transmitir conhecimentos e carregar histórias pessoais e culturais, além de incorporar uma dimensão de sustentabilidade.
Parece natural, portanto, que minha primeira instalação tenha surgido dessa relação. Com a ajuda da minha mãe, reaproveitei lençóis e cortinas antigos; ela me ensinou a tingir, costurar e remendar tecidos. Quero reconhecer seu conhecimento e sua habilidade, assim como as inúmeras formas de trabalho que ela dominou como dona de casa tradicional. Como tantas mulheres, ela aprendeu com sua mãe e realizou esse trabalho sem reconhecimento formal ou remuneração. Sua influência está entrelaçada à minha prática, não apenas por meio das técnicas que me transmitiu, mas também das memórias, dos gestos e das formas de cuidado que primeiro me ensinaram a enxergar o tecido como um espaço de possibilidades.
Em meu trabalho recente, venho explorando como a pintura pode ultrapassar a superfície plana e ocupar o espaço. Birds in Search of Blue Expanses, minha instalação no Shangri La Museum, surgiu a partir dessa questão. Queria reunir minha formação em pintura e minha relação de longa data com os têxteis, permitindo que o próprio material transformasse a imagem.
Desenvolvi o trabalho ao longo do verão em meu ateliê no Textile Arts Center, em Nova York. Trabalhei com 11,89 metros de fio de linho para criar três pinturas tecidas, cada uma com 66 cm de largura e comprimentos 66 cm de largura e comprimentos de 5,94 metros, 3,20 metros e 2,74 metros. Depois de preparar o tear, precisei retirar os fios antes de poder pintá-los. Em vez de pintar sobre uma superfície contínua, trabalhei diretamente sobre cada um dos fios, fora do tear.
Busquei inspiração nos padrões florais dos azulejos da coleção e no azul do oceano. Depois que a pintura secou, cuidadosamente recoloquei os fios no tear e comecei a tecer. A pintura me permitiu estabelecer uma imagem ao longo de fios separados, enquanto a tecelagem os reuniu, interrompendo as formas pintadas e gradualmente transformando-as em algo novo. Precisei imaginar como as marcas distribuídas entre os fios individuais poderiam, por fim, se unir através da estrutura da trama. À medida que os fios se cruzavam, a imagem se transformava. Linhas e cores eram interrompidas, e as formas surgiam de maneiras diferentes daquelas que eu havia imaginado inicialmente.
Passei a me interessar pelo intervalo entre separar os fios e reuni-los novamente. A imagem precisava ser desmontada antes que pudesse se tornar uma pintura tecida. Essa separação física e posterior reconstrução encontraram ressonância em minha experiência de migração e memória. Aquilo que me lembro de um lugar nunca é uma imagem completa e imutável. Eu a reconstruo a partir de fragmentos, sensações e encontros do presente. Algo familiar pode se tornar estranho e algo que parecia perdido pode, de repente, retornar sob uma forma transformada. Da mesma maneira, a paisagem nessas obras não poderia existir em sua forma final até que os fios individuais fossem novamente reunidos.
Minha pesquisa frequentemente começa com uma observação atenta de imagens, materiais e lugares que permaneceram comigo. Retorno à pintura de miniatura persa, ou Negārgari, particularmente ao seu uso do espaço achatado e de múltiplos pontos de vista. Diferentemente da perspectiva de ponto único associada à pintura ocidental, a Negārgari pode apresentar simultaneamente diferentes elementos a partir de diferentes orientações. Elementos verticais são apresentados frontalmente, enquanto superfícies horizontais são vistas de cima. Em vez de organizar tudo em torno de um único ponto de vista fixo, a composição permite que várias perspectivas coexistam.
Essa lógica espacial oferece uma maneira de pensar sobre o que significa habitar mais de um lugar ao mesmo tempo. Depois de deixar Teerã, passei a prestar cada vez mais atenção ao céu e ao horizonte aberto. As Montanhas Alborz e o céu que eu lembrava de casa começaram a coexistir com o East River, o Oceano Atlântico Norte e os vastos horizontes que encontrei em Nova York. Passei a me interessar pela maneira como o deslocamento entre lugares transforma não apenas aquilo que vemos, mas também a forma como vemos.
Para esta instalação, estendi a lógica espacial da Negārgari para além das superfícies tecidas. As pinturas tecidas suspensas se apresentam verticalmente, enquanto tapetes persas da coleção do museu são pendurados na parede, apresentados como planícies floridas vistas de cima. Os tapetes tornam-se mais do que objetos têxteis ou objetos domésticos familiares; passam a funcionar como paisagens — planos horizontais traduzidos para uma orientação vertical. A instalação convida o público a transitar entre essas diferentes maneiras de ver, em vez de permanecer diante de uma única imagem fixa.
Realizar a instalação no Havaí acrescentou outra dimensão a esse processo. A arquitetura persa, o Oceano Pacífico, as montanhas, a vegetação tropical e a coleção do museu entraram em diálogo com as paisagens que carrego comigo do Irã. Eu não estava tentando reproduzir nenhum dos dois lugares. Em vez disso, queria que coexistissem dentro do trabalho: a paisagem que encontrei fisicamente no Havaí ao lado das paisagens que continuam a moldar meu sentido de lar. À medida que os visitantes se deslocam pela instalação, sua relação com a obra se transforma. Não há uma única posição a partir da qual toda a paisagem possa ser vista. Fragmentos de pássaros azuis sobre fundos amarelos, presentes em azulejos safávidas da Catedral de Vank, em Isfahan, e na coleção de Shangri La, passaram a integrar esse diálogo. Coloquei esses pássaros em relação a um pássaro de cauda branca feito de seda, intitulado Koa‘e Kea. O pássaro tornou-se outra figura de movimento e transição, conectando a paisagem do Havaí a uma instalação moldada por memórias do Irã. Sua presença me permitiu pensar a migração para além da experiência humana, por meio dos pássaros que voam através das paisagens e de sua relação com o céu e o oceano. Os pássaros existem entre diferentes lugares e histórias visuais, assim como as pinturas tecidas reúnem fragmentos que haviam sido separados.
O título, Birds in Search of Blue Expanses, vem de um poema da poeta iraniana Forough Farrokhzad, no qual pássaros partem em busca do azul. Para mim, essa busca fala do desejo de encontrar pertencimento enquanto se carregam as memórias de outro lugar. Um pássaro deixa uma paisagem e voa em direção a outra, mas o lugar de onde partiu não simplesmente desaparece. Ele permanece como parte de seu movimento. As imensidões azuis sugerem uma abertura da qual podemos nos aproximar, mas que nunca podemos possuir por completo — um horizonte em direção ao qual continuamos a nos mover.
Quando as pinturas tecidas foram finalmente suspensas na galeria, o processo que eu havia vivenciado no ateliê tornou-se arquitetônico. O trabalho deixou o tear e entrou no espaço. A pintura tornou-se tecido; o tecido tornou-se escultura; e a imagem tornou-se uma paisagem pela qual se podia caminhar. O que começou como fios individuais pintados, transformou-se em um ambiente no qual as relações entre objetos, arquitetura e público se modificavam continuamente.
Em última análise, Birds in Search of Blue Expanses trata da própria busca. Eu não chego na paisagem. Eu a construo, desmonto, recordo e volto a enxergar continuamente a partir de outra posição. Por meio da tecelagem, encontrei uma maneira de tornar essa experiência visível. O trabalho reúne fragmentos que, de outra forma, poderiam permanecer separados, permitindo que formem uma paisagem sem perder os vestígios de suas histórias individuais. É uma prática contínua de aprender a ver a partir de outro lugar.
Para saber mais sobre Leila Seyedzadeh @leila.seyedzadeh
Fotos: Anita Goes, Cortesia da artista e do Museu Shangri La
