Isabella Indolfi: Oi, Paige.
Paige King: Oiiii, Isa!
II: Obrigada por ter essa conversa comigo. Para situar todo mundo um pouco, estamos no histórico edifício Old American Can Factory, em Gowanus, no Brooklyn, perto do canal.
PK: Minha avó cresceu a dois quarteirões daqui. Essas fábricas começaram a surgir em meados do século XIX, quando o Gowanus foi dragado e transformado em uma via navegável comercial. Hoje, a Old American Can Factory tem quase a sensação de um campus. Estamos cercadas por pessoas que são produtivas de uma maneira completamente diferente. O prédio pulsa com artistas, editoras, designers, educadores, trapezistas até. É um lugar fértil, quase familiar, para trabalhar e estar, e adoro pensar em todas as diferentes vidas que essa fábrica já abrigou. E também em quem estava aqui muito antes das fábricas, o povo Lenape, de cuja língua deriva a palavra Gowanus.
II: Ah! interessante. Como italiana que se mudou para cá há cinco anos, esses reconhecimentos dos povos originários e de sua relação com o território ajudam a me situar. Sim, este edifício e toda essa região carregam muitas histórias. Temos ótimos vizinhos, como Rooftop Films, a editora McNally Jackson, Ugly Duckling Presse e, do outro lado do corredor, o Center for Urban Pedagogy. É uma comunidade muito vibrante.
II: Entãooo, o que nos trouxe para cá em abril?
PK: A MESH foi oficialmente formada em abril de 2026 mas, de muitas maneiras, começou alguns meses antes. Passamos cerca de três meses conhecendo o edifício, a comunidade ao redor e o Nathan, diretor criativo do prédio, que nos apoiou enormemente desde o início. O apoio dele não foi apenas fundamental, mas também bastante singular. É raro encontrar alguém de fora de um projeto que esteja genuinamente interessado em ajudá-lo a acontecer, alguém disposto a entender os obstáculos e os parâmetros junto com você e, então, encontrar um caminho que funcione para todos. Abrir um espaço de arte em Nova York é um empreendimento considerável. Normalmente exige investidores, recursos. Você e eu chegamos à MESH com muita paixão e uma ideia muito clara do que queríamos construir, mas não necessariamente com muitos recursos. Ter o apoio do Nathan tornou esse processo muito mais possível, e tem sido muito significativo nos tornarmos parte da comunidade mais ampla da OACF à medida que a MESH continua tomando forma.
II: Sim. E o Nathan não foi a única pessoa, no início, que realmente nos apoiou, quando ainda não sabíamos exatamente o que fazer ou como fazer. Também contamos com a rede que construímos ao longo dos anos, incluindo amigos e colegas.
PK: Exatamente. Nos últimos dez ou quinze anos, você e eu temos trabalhado nessa interseção bastante específica entre arte, pesquisa, tecnologia e ciência. Quando começamos a construir a MESH, pudemos recorrer à comunidade que havíamos desenvolvido ao longo dos anos, uma rede de profissionais atuando em territórios semelhantes, que foram extremamente generosos com suas orientações e seu apoio. Isso foi enorme para nós. A MESH não surgiu isoladamente; ela cresceu a partir de conversas, colaborações e relações com pessoas que nos ajudaram a pensar no que esse projeto poderia se tornar. Pessoas como Ellen Pearlman, Alexandra Dementieva, Patricia Olynyk, Dylan Gauthier, entre outras, fizeram parte dessa comunidade ampliada, compartilhando suas experiências e atuando como conselheiros informais ao longo do caminho. Esse tipo de generosidade realmente moldou a maneira como abordamos a construção da MESH.
Edifício Old American Can Factory, 2026. Vista sudeste em direção à 3rd Street e à 3rd Avenue. Foto e cortesia: Justine Cooper Photography.
II: Também Toby Heys, diretor da School of Digital Arts, em Manchester; Alain Thibault, diretor da Elektra, em Montreal; e Elena Soterakis, diretora da BioBAT, em Nova York. Todas essas são pessoas com quem conversamos antes de começar essa aventura com a MESH. Muita gente nos pergunta como nos conhecemos, então talvez seja uma boa ideia falar sobre isso. Acho que a primeira vez que nos encontramos foi em São Petersburgo?
PK: Na verdade, acho que nos conhecemos em 2018, no Media Center by IFP, no Dumbo, que acabou fechando por causa da pandemia. Lá, você e eu trabalhamos como curadoras na exposição Cosmos & Chaos, para a CYFEST-13. Você convidou Donato Piccolo, que fez aquela instalação surreal de pés robóticos caminhando sobre nuvens. Eu amava tanto aquele trabalho. Mas, sim, temos uma longa história de colaboração em diferentes projetos.
II: Sim, primeiro no Media Center e depois, em 2019, em São Petersburgo, na Rússia, trabalhando na CYFEST no Stieglitz Museum. E então nos encontramos novamente alguns anos depois, na Armênia.
II: Mas eu diria que o momento em que realmente criamos um vínculo foi quando finalmente me mudei para Nova York, cinco anos atrás. Foi quando começamos a passar mais tempo juntas para além da Cyland e da CYFEST. Depois você foi à Itália visitar o festival que dirijo lá, chamado Seminaria Sogninterra. Eu estava superocupada, mas você gostou?
PK: Ah, eu amei. Foi realmente inspirador ver esse festival surgir dentro de uma cidade medieval, Maranola, onde você cresceu. Havia instalações incorporadas àquelas ruelas antigas e estreitas, e a cidade inteira estava envolvida. Sua família participou intensamente. É um festival que traz o mundo da arte para dentro da cidade, mas que realmente se estende para a comunidade e para essa ideia de participação coletiva, o que achei incrível. Parece uma extensão muito bonita de quem você é.
II: Obrigada. Sim, isso é realmente muito importante para mim. Temos muita coisa em comum. Nós duas criamos residências em nossas cidades de origem, envolvendo nossas famílias. Infelizmente, ainda não visitei seu projeto de residência, mas já ouvi falar bastante dele. Convidei você para apresentar a Convening Bodies Residency no programa TALK & COOK, que realizo no Sunview Luncheonette, no Brooklyn. Parte da sua família estava lá e tivemos um jantar muito gostoso, embora eu tenha precisado ensinar o Dan a fazer spaghetti al pomodoro à italiana. Boas lembranças. Mas uma frase específica daquela noite ficou comigo: toda água, em toda parte, toca toda água, em toda parte. Mas você deveria contar mais sobre o projeto.
PK: [risos] Sim, você teve que ensinar o Dan a fazer spaghetti do jeito italiano! Mas, sim, Convening Bodies é uma residência de dez dias, dividida em duas partes, realizada em Lummi Island, no Mar de Salish, e em Grayland, ao longo da costa sul de Washington, dois ambientes e experiências marinhas muito diferentes. Eu coordeno a residência com Jenny Hawkinson, uma grande amiga da pós-graduação e artista sonora que hoje vive em Vancouver, no Canadá. Lummi Island fica a cerca de quatro horas de barco de Bellingham, onde cresci, então existe uma conexão pessoal. Meu pai, de 70 anos, também participa. Ele aparece em seu bote Achilles vermelho desbotado, com mais de trinta anos — o mesmo barquinho que uso desde sempre para chegar à costa — trazendo um banquete de caranguejos, falando sobre sistemas de marés, juntando pedaços de madeira trazidos pelo mar e reclamando dos vizinhos desinformados que usam Roundup perto demais da costa, ou que simplesmente usam aquilo. Ele nos ensina sobre as camadas dos middens quando a maré está baixa, o que nos lembra quem habitou essas ilhas por dezenas de milhares de anos antes das atrocidades cometidas pelos colonizadores. Então existe também um elemento geracional incorporado à residência e as problemáticas relacionadas à posse e à propriedade estão muito presentes no espírito desses encontros, pelo menos para mim. A residência adota como lema uma frase da poeta Alexis Pauline Gumbs: “confie que toda água, em toda parte, toca toda água, em toda parte.” Essa ideia está realmente no coração do projeto. Estamos interessadas no que acontece quando a prática criativa é informada pelo encontro com e dentro de corpos d’água, e com outras pessoas. Há também uma dimensão virtual: participantes já se juntaram a nós da Suíça, do Quênia e do Reino Unido, reunindo-se perto de algum corpo d’água onde quer que estivessem. Apesar da distância, a água se transforma em uma espécie de tecido conectivo entre diferentes lugares, práticas e pessoas.
II: Adoro a maneira como você está trazendo a água para sua pesquisa artística e curatorial. Ela realmente é algo que conecta todos nós, e também nós duas. Tenho uma conexão muito forte com o Mar Mediterrâneo, onde cresci, mas o mais engraçado é que nossos pais são ambos velejadores. Somos praticamente irmãs [risos].
PK: [risos] Sim, estou me preparando para voltar a Lummi Island no início de setembro. Uma parte bastante significativa da residência é passarmos um dia velejando juntas e depois ancoramos durante a noite, normalmente em Sucia Island. Há algo em estar sobre a água, distante da terra, movendo-se com o vento e as marés, que conecta as pessoas a questões maiores sobre o que significa estar em relação com um corpo d’água. Quando estamos ancoradas nessa época do ano, a bioluminescência é inacreditável. À noite, quando a escuridão é quase absoluta, você olha para a água negra e vê esses organismos minúsculos se iluminando. É como olhar para a Via Láctea ou para estrelas cadentes, mas, em vez de olhar para cima, você olha para baixo, para a superfície da água e, sob ela, encontra um segundo céu. É de uma beleza devastadora. E digo “devastadora” em parte porque esses organismos e os ecossistemas aos quais pertencem estão sendo cada vez mais afetados pelo aumento da temperatura dos oceanos e por outras mudanças ambientais. Grande parte da residência consiste em criar espaço para esse tipo de encantamento, sem deixar de reconhecer sua vulnerabilidade.
II: Isso é tão importante, essas linhas de conexão. As residências ajudam a criar as condições para isso, para esse encantamento de que você fala. Estou me preparando para a edição de 2027 da Seminaria.
PK: Eu já me autoconvidei oficialmente para voltar [risos].
Joaquin Fargas, Rabdomante. Exposição coletiva Retooling: Art, Ecology, and Climate Adaptation, 2026. Cortesia do artista.
II: Com certeza. Agora você faz parte da equipe da Seminaria. Mas, enquanto isso, temos um ano inteiro de programação pública na MESH, que é justamente a razão de estarmos aqui na Old American Can Factory [risos]. Na verdade, eu diria que a ideia da MESH surgiu quando visitamos a Old American Can Factory. Já havíamos conversado sobre abrir um espaço havia algum tempo, mas não sabíamos realmente que forma ele teria nem como faríamos isso acontecer. Quando vimos pela primeira vez a galeria onde estamos agora, alguma coisa se encaixou. Percebemos que ela poderia se tornar um lugar onde a rede que vínhamos construindo ao longo dos anos finalmente pudesse ter uma casa, um espaço onde pudéssemos receber pessoas, aproximar diferentes comunidades e criar conexões entre artistas, pesquisadores e outros profissionais. Até então, grande parte do nosso trabalho curatorial havia sido independente e, de certa forma, nômade, circulando entre diferentes espaços, organizações e colaborações. Ter um espaço físico nos deu a oportunidade de tornar esse trabalho mais concreto, sem perder a maneira colaborativa e articulada em rede com que sempre trabalhamos.
PK: Você e eu começamos a trabalhar juntas no Sunview Luncheonette durante o inverno. Para quem não conhece, o Sunview Luncheonette é esse coletivo incrível de artistas, poetas e agentes culturais localizado em Greenpoint, em uma antiga lanchonete no estilo dos anos 1950 e 1960. Eles realizam muitos eventos por lá. Então, sim, você é membro e nós começamos a trabalhar juntas lá… e naquela época não havia aquecimento.
II: Estava tão frio!
PK: Tão frio! Então começamos a fantasiar sobre ter nosso próprio espaço. E essa fantasia acabou se transformando em uma conversa sobre como nós duas havíamos chegado a um momento de nossas carreiras em que estávamos prontas para dar um passo bastante grande e começar a criar um espaço capaz de aproximar artistas e cientistas por meio de conversas, exposições e workshops.
II: Esperamos trazer ativistas, pesquisadores, criadores, pensadores, todo tipo de pessoa. Acho que uma das nossas missões é realmente entrelaçar aprendizado e eventos interdisciplinares. Para duas mulheres sem filhos como nós, é significativo dizer que parecia que estávamos dando à luz uma criança. E encontrar um nome para esse projeto foi todo um processo. Na linguagem comum, mesh é uma combinação de fios de um tecido, certo?
Mengna Da e Shihan Zhang. Curadoria: Amy Xiaofan Jiang. Cortesia da artista.
PK: Sim, uma mesh é essencialmente uma trama, uma estrutura formada por fios individuais que se cruzam, se entrelaçam e se sustentam uns aos outros. Você a encontra em redes, tecidos e até em sistemas biológicos e tecnológicos. O que adoro nessa ideia é que sua força não vem de um único fio, mas das relações entre eles. Cada ponto de encontro ajuda a distribuir a força pelo conjunto.
Isso se tornou uma maneira de pensar sobre aquilo que queríamos que a MESH fosse: uma espécie de escultura em trama composta por artistas, pesquisadores, cientistas, tecnólogos e comunidades individuais que se encontram, cada um permanecendo como um fio distinto, mas tornando-se mais forte e mais fértil por meio da conexão. Não se trata de tecer tudo em uma única forma. Trata-se de criar estrutura suficiente para sustentar pessoas e ideias juntas, deixando, ao mesmo tempo, espaço suficiente para que algo inesperado possa atravessá-la.
II: Tecnicamente, não existe um centro em uma rede mesh, então todos os pontos são, de certa forma, iguais. É uma rede horizontal, e acho que isso reflete muito da missão do nosso projeto.
PK: Alguns dos nossos principais objetivos estão relacionados à descentralização, e isso se aplica diretamente à nossa prática curatorial. Queremos convidar outras pessoas e oferecer a elas espaço, plataforma e oportunidade para moldar aquilo que acontece aqui. Parte disso envolve desmontar alguns dos mecanismos de controle de acesso que existem no mundo da arte, especialmente em Nova York, mas também de maneira mais ampla.
Há uma enorme vantagem em recuar um pouco e abrir espaço para os outros, porque isso diversifica os tipos de trabalho, pesquisa e conversas que a MESH pode acolher. Então, a MESH_ARTS funciona de duas maneiras. Em uma delas, você e eu criamos a programação, seja uma exposição, uma conversa ou um workshop. Na outra, convidamos ativamente outras pessoas a entrar, ocupar o espaço e experimentar com ele.
II: Sentíamos que havia uma verdadeira falta de espaços como este em Nova York. Arte, pesquisa, tecnologia e ciência já constituem uma interseção bastante específica. Muitas vezes, as organizações que trabalham nesse território não possuem um espaço expositivo propriamente dito, então queremos compartilhar o que temos e oferecer acesso a outras pessoas por meio de uma espécie de modelo de associação. Vamos construir uma rede curada de parceiros e colaboradores e desenvolver uma programação realmente conduzida pelos próprios pares. O mais importante para nós é o aprendizado que nasce dessas relações. Isso já está me fazendo crescer tanto, como curadora, como diretora, como ser humano e simplesmente como alguém apaixonada por arte. Sinto-me imensamente enriquecida por tudo isso. Tivemos uma experiência incrível logo no início com Amy Xiaofan Zhang, diretora da Underground Art and Design, que fez a curadoria do segundo evento da MESH, uma performance de uma única noite. Ela é uma curadora tão energética e apaixonada, e aquela experiência realmente nos mostrou o que se torna possível quando convidamos outra pessoa para entrar e dar forma ao espaço.
Esteban Agosin, Camanchaca. Exposição coletiva Retooling: Art, Ecology, and Climate Adaptation, 2026. Cortesia do artista.
PK: Nossa exposição inaugural, Soft Screens, foi especialmente importante para estabelecer a linguagem curatorial e as conversas críticas que queremos que a MESH_ARTS acolha. A exposição investigava nossas vidas digitais hipermediadas, mas, curiosamente, a escultura e a materialidade se tornaram centrais na maneira como construímos sua curadoria. Pensávamos muito sobre o que acontece quando algo que normalmente experimentamos através de uma tela — por meio de algoritmos, dados e interfaces — é traduzido para algo físico. De repente, aquilo ganha peso e textura. Você precisa se mover ao redor dele. Seu corpo estabelece uma relação com ele. Esse encontro físico dá forma a sistemas que muitas vezes são invisíveis ou difíceis de localizar. Havia uma tensão material atravessando toda a exposição. Tínhamos argila e sal, materiais ancestrais, elementares, convivendo com trabalhos que tratavam de novas tecnologias. Adorei esse contraste. Ele levantava uma questão sobre profundidade física versus profundidade digital: a dimensionalidade real de um objeto em contraste com a ilusão de profundidade que experimentamos através de uma tela. Swipe, Swipe, Swipe, de Alexandra Lerman, é um ótimo exemplo. Ela criou esses belos objetos de cerâmica aproximadamente do tamanho de um iPhone. Não há tecnologia na obra, mas a linguagem da tecnologia está completamente presente. O gesto de deslizar o dedo está incorporado à argila, de modo que esse movimento que realizamos quase inconscientemente todos os dias de repente se torna físico e um pouco estranho. A pesquisa de Alexandra girava em torno da ideia de registrar direitos autorais sobre gestos, e acho que a escultura realmente devolve essa questão ao corpo: quem é dono de um gesto? E o que acontece quando nossos comportamentos físicos passam a ser tão profundamente coreografados pelas tecnologias que utilizamos?
II: O trabalho ficou na memória das pessoas. Muitos dos meus amigos ainda falam sobre ele; é uma daquelas obras de que as pessoas se lembram imediatamente. Outra colaboração importante foi com Mari Nagem. Ela criou uma instalação linda que brincava com a ilusão de profundidade que experimentamos através das telas, com a maneira como algo completamente plano consegue nos convencer de que estamos olhando para dentro de outro espaço. E, novamente, ela explorou isso sem depender intensamente da tecnologia. A própria instalação física tornou-se uma maneira de pensar o digital. Na verdade, vamos trazer Mari de volta para a Climate Week em setembro, e estamos muito animadas com isso. Havia tantos artistas excelentes em Soft Screens. Anna Frants também trouxe para a exposição uma incrível sensibilidade material e tecnológica. Acho que, coletivamente, os trabalhos mostraram que não é necessariamente preciso usar tecnologia para falar criticamente sobre ela. Às vezes, a escultura, a matéria, o gesto e o espaço físico conseguem tornar nossa relação com o digital ainda mais visível.
PK: Peck of Salt, de Anna Frants, captura muito bem essa convergência entre a escultura e o digital, entre duas dimensões: a virtual e a física. Uma tela de televisão exibe apenas estática, e cada ponto desse ruído digital é medido e traduzido em um fluxo de sal que cai sobre o chão. Com o passar do tempo, algo imaterial se acumula e se transforma em uma forma física. A obra dá peso ao ruído digital, tornando repentinamente tangível o fluxo constante e muitas vezes invisível de informações que atravessam nossas vidas.
II: Fiquei muito feliz em apresentar o novo trabalho de Nouf Aljowaysir, concebido especialmente para aquela exposição, mas também uma obra menos recente chamada Where am I from?. Ela está disponível agora na plataforma do New York Times.
Exposição coletiva Soft Screens, 2026, com a participação dos artistas Nouf Aljowaysir, Anna Frants, Alexandra Lerman e Mari Nagem. Curadoria: Isabella Indolfi e Paige King. Imagem inferior esquerda: Nouf Aljowaysir, Ceremonial Ancestors, 2026. Escultura em Permastone com gravação a laser e vídeo generativo.
Cortesia da artista.
PK: Isso foi realmente especial para mim. Trabalhei na residência ThoughtWorks Arts e, em 2020, Nouf foi residente e começou a desenvolver esse trabalho. É muito gratificante ter a MESH e poder trazer artistas com quem você mantém relações há tanto tempo, acompanhar a evolução de seus trabalhos e oferecer um espaço para que outras pessoas — o público — possam experimentar obras tão importantes e críticas como as de Nouf. Seu trabalho evidencia a perspectiva e o viés ocidentais dominantes incorporados à inteligência artificial, aos conjuntos de dados e aos arquivos, assim como as implicações perigosas disso.
II: Aquela exposição se construiu de uma maneira tão bonita e fluida. Tínhamos a mesma visão em mente antes mesmo de começarmos a juntar as coisas, e foi impressionante como concordamos em cada pequeno detalhe.
PK: Siiiiiiiim, trabalhamos muito bem juntas. Tudo surgiu de maneira bastante natural.
II: Acho que aquela exposição foi uma declaração para a MESH, mostrando o tipo de trabalho com o qual queremos nos envolver e a visão que orientará nossa curadoria.
PK: Tem sido um período de incubação muito especial para nós. E agora, à medida que começamos a sair dessa fase, estamos pensando em como expandir essa rede, convidando organizações e colaboradores para se tornarem membros recorrentes, trazerem suas pesquisas para o espaço ou desenvolverem aqui um conceito curatorial. É emocionante finalmente estarmos em uma posição em que podemos abrir as portas e convidar outras pessoas para entrar. E não vemos essa rede como algo limitado a Nova York. Queremos que a MESH se estenda internacionalmente também. Trabalho com a CYLAND MediaArtLab há anos e, por meio desse trabalho, existe uma rede incrível de instituições e organizações interessadas em ter presença em Nova York, compartilhar seu trabalho aqui e criar novos intercâmbios. É realmente isso que esperamos que a MESH_ARTS possa facilitar: conexões entre pessoas, práticas, organizações e geografias que, de outra maneira, talvez nunca se encontrassem. Alguma consideração final? [risos]
II: Também vale mencionar que vamos receber uma exposição e performances centradas no som. Faremos uma parceria com a New Ear, um festival sediado em Nova York e dirigido por Daniel Neumann, que mantém uma relação com a Fridman Gallery há muitos anos. Estamos muito animadas em oferecer espaço para esse tipo de pesquisa sonora na MESH e ver como os artistas vão se relacionar com o espaço e ativá-lo por meio do som e da performance.
PK: Sim! E também teremos dois artistas sonoros da CYLAND MediaArtLab, Sergei Komarov, que dirige o departamento e o arquivo de arte sonora e áudio da CYLAND, e Lidia Griaznova, que é curadora e artista sonora. Eles estão colaborando em um projeto que estará em diálogo direto com o trabalho de Daniel Neumann. Daniel também conduzirá uma série de workshops sobre som espacial, algo que nos deixa muito animadas. Então, há muita coisa acontecendo — talvez mais do que imaginávamos quando começamos! [risos] Os leitores podem visitar nosso site para acompanhar tudo o que está por vir. Mas esta foi uma oportunidade tão bonita de sentarmos juntas e realmente reconstruirmos nossa história de origem: como a MESH começou, o que imaginávamos que ela poderia ser e como essa visão já está mudando e crescendo à medida que outras pessoas passam a fazer parte dela. Ainda estamos tão no início do processo que parece até um pouco engraçado chamar isso de uma história de origem. Acho que vai ser muito especial, e provavelmente muito divertido, voltar a esta conversa daqui a dez anos e descobrir onde todos esses fios da MESH foram parar.
II: Uau, adorei isso: uma pequena cápsula do tempo. Vai ser incrível ver, daqui a dez anos, como tudo isso se desenrolou! Está bem, minha querida, ciao!
PK: Ciao, bella!
Laura Splan, Cryptic Lineages, 2025. Still de vídeo. Exposição coletiva Retooling: Art, Ecology, and Climate Adaptation, 2026. Cortesia da artista.
Imagem principal: Peter Yeadon, SparkIp. Exposição coletiva Retooling: Art, Ecology, and Climate Adaptation, 2026. Cortesia do artista.
Para aprender mais sobre Isabelli Indolfi: isabellaindolfi.it
Para saber mais sobre Paige King: paige-king.com
E sobre MESH: meshartcenter.org
