O projeto de longo prazo de Chabashvili, A Book of Missing, nasceu da plataforma digital missingmonument.com, desenvolvida em 2020 em colaboração com o Comitê Internacional da Cruz Vermelha (CICV) na Geórgia. A plataforma se concentrou nas famílias das pessoas desaparecidas durante os conflitos na Abkházia e na Ossétia do Sul, nos anos 1990, bem como durante a guerra de 2008. A escala do desaparecimento era avassaladora — pastas contendo milhares de nomes, cada um acompanhado por anotações fragmentárias: um último avistamento, uma ligação final, um rumor incerto. Esses documentos não ofereciam resolução; marcavam um espaço suspenso entre presença e ausência. Em vez de tentar completar essas narrativas, Chabashvili optou por permanecer com sua incompletude. Para ela, a questão não era apenas como representar a ausência, mas como materializar a presença mental daqueles que já não estão fisicamente aqui. O têxtil tornou-se uma linguagem crucial nesse processo. Grades, fios e tecidos funcionam como sistemas de relação — redes por meio das quais a memória é sustentada sem ser fixada. Em seu trabalho, o tecido opera como uma superfície provisória de lembrança: um lugar onde os vestígios se acumulam, se deslocam e permanecem vulneráveis.
Tamuna Chabashvili, A Book of Missing, 2025. Livro em tecido [23 páginas], impressão digital sobre chiffon, 39,9 × 59,9 cm.
Foto: Nino Alavidze. Cortesia da artista.
A estrutura visual do projeto se inspira na forma da árvore, um lugar recorrente de rememoração para as famílias dos desaparecidos. Chabashvili construiu uma série de árvores coladas a partir de fotografias de locais específicos, cada uma portando um aspecto distinto do desaparecimento. “Com base em fotografias de árvores de localizações geográficas específicas, colei doze árvores diferentes para o projeto. Cada árvore conta uma história que representa um aspecto do desaparecimento, de modo que as histórias são fragmentadas, assim como o próprio processo da lembrança.” Não se trata de símbolos monumentais, mas de portadores frágeis de histórias fracionadas. A “árvore dos desejos” que ela propõe é aberta, convidando mensagens de qualquer pessoa, independentemente de origem. Nesse gesto, a lembrança torna-se coletiva sem apagar a diferença; o luto é compartilhado, mas nunca homogeneizado. “Quis criar uma árvore dos desejos em que qualquer pessoa, independentemente de nacionalidade, idade, etnia ou religião, pudesse anexar uma mensagem ou um desejo.”
Embora Chabashvili não tenha vivenciado diretamente as guerras, ela pertence a uma geração moldada pelo pós-colapso soviético, pelo surgimento de novas fronteiras e por uma instabilidade prolongada. Ela descreve esse período como um tempo de suspensão — entre sistemas, entre certezas. “Lembro desse período como um vazio pós-soviético, uma sensação de tempo suspenso entre dois sistemas: um que havia colapsado e outro que ainda não se formara plenamente. Estruturas familiares desapareceram, enquanto as novas não conseguiram oferecer estabilidade. Essa incerteza deixou uma marca duradoura em todos que a viveram e também se tornou parte da minha própria história de vida.”
Essa condição informa sua atenção contínua aos vestígios: remanescentes, fragmentos de arquivo e evidências efêmeras que registram como a história se imprime de modo desigual nas identidades pessoais e coletivas. Trabalhar com tais materiais também impõe exigências éticas. Para Chabashvili, a pesquisa é inseparável do cuidado — com as pessoas cujas vidas emergem no arquivo e com os limites de sua própria posição como artista. “Cada projeto investiga presença, ausência e transformação, buscando materializar experiências que de outra forma permaneceriam invisíveis. Desenvolver esses projetos também se tornou uma forma de cura para mim, um modo de confrontar traumas herdados, refletir sobre eles e transformá-los em conhecimento e entendimento.”
Tamuna Chabashvili, Guda-Nabadi, 2021, Gallery Artbeat, Tbilisi. Expositor de mesa nº 2. Papel, tecido, renda, compensado e vidro, 119,4 × 180,3 × 80 cm.
Foto: Nino Alavidze. Cortesia da artista.
Se a prática de Chabashvili se ancora nos silêncios de um desaparecimento não resolvido, o trabalho de Dawn Williams Boyd enfrenta outra forma de apagamento histórico: a distorção sistemática e a omissão da história negra nos Estados Unidos. “Decidi que seria artista aos dezessete anos. Minha mãe se preocupava muito em garantir que eu pudesse funcionar de forma independente no mundo, então tive todo tipo de aulas — francês, etiqueta, piano, tudo o que ela achava que uma jovem precisaria para uma vida diferente da dela. Mas nunca me deu aulas de arte. Então, no laboratório de biologia do ensino médio, algo aconteceu. A escola era pequena e nunca oferecera arte. Em vez de contratar um professor, disseram ao professor de biologia para ensinar a disciplina por um semestre. Um dia, ela entrou com suportes de isopor para perucas e sacos de papel-machê e disse que faríamos bustos umas das outras. O meu foi o único na turma — cerca de vinte meninas — que realmente se parecia com a pessoa retratada. Foi um momento de epifania. Depois de ir mal em latim, francês, piano — depois de falhar em muitas coisas — eu finalmente havia encontrado algo que me fazia bem. A partir dali, decidi que dedicaria o máximo da minha vida, dentro do que pudesse controlar, a desenvolver essa habilidade. Eu estava escolhendo a faculdade naquele momento e, embora minha mãe ainda tomasse muitas decisões por mim, direcionei o que pude para a arte.”
Dawn Williams Boyd, Incarceration, 2019. Tecidos variados, linhas de bordado em algodão e lã.
Aplicado à máquina; bordado e quiltado à mão, 152,4 × 152,4 cm. Cortesia da artista.
Dawn Williams Boyd, Black Mothers’ Mortality, 2020. Tecidos variados, linha de bordado em algodão e boneca feita à mão.
Aplicado à máquina; bordado e quiltado à mão, 151,1 × 149,9 cm. Cortesia da artista.
Após mudar-se para o Colorado, Dawn Williams Boyd se envolveu profundamente com uma comunidade dedicada à história africana e afro-americana — temas amplamente ausentes de sua formação formal. Sua mãe, ex-professora de história, havia recentemente inaugurado o Nina Lagorio Afrocentric Teaching Museum, o que ampliou ainda mais sua exposição. Cercada por livros, conversas e bibliotecas, Boyd passou anos educando-se sobre histórias que antes desconhecia. Essa pesquisa fundamentou The Sins of the Fathers, uma série que utiliza fotografias históricas para examinar a história racial dos Estados Unidos, convidando o público a pausar, refletir e questionar as narrativas que precedem e sucedem o instante capturado. Boyd é direta quanto a esse método: as imagens já existem; o que muda é o enquadramento da atenção. Ela se interessa pelas condições em que o espectador para, observa e começa a perguntar o que veio antes e depois daquele momento. O têxtil, com sua densidade de textura e cor, desacelera a percepção. A maciez do tecido contrasta com a violência frequentemente embutida nas imagens, produzindo uma tensão entre superfície e assunto.
Uma preocupação central nesse conjunto de obras é o medo — especificamente, a forma como o medo foi historicamente construído em torno da negritude e mobilizado para justificar a violência. Boyd “inverte” códigos raciais familiares, retrabalhando imagens que circularam como instrumentos de ameaça. Sua pergunta não é abstrata: o que significa viver em uma condição em que a própria existência é lida como perigo? Como uma sociedade normaliza essa lógica ao longo de gerações? “Essas questões me levaram a ‘virar’ os identificadores raciais — pegar imagens historicamente usadas para construir a negritude como ameaçadora e reenquadrá-las. Eu também estava lendo The 1619 Project e The Isis Papers, de Frances Cress Welsing, ambos tratando não apenas da mitologia do medo na cultura branca americana, mas da violência que historicamente a seguiu. Quis explorar o que é ser temido sem motivo — esteja você fazendo algo certo ou errado, a resposta costuma ser a mesma.”
Aplicado à máquina; bordado e quiltado à mão, 91,4 × 121,9 cm. Cortesia da Fort Gansevoort Gallery.
Ao reencenar imagens de arquivo no tecido, ela não reproduz nem resolve essas histórias, mas insiste em sua presença contínua. Para Boyd, a questão da reconciliação é inseparável da sobrevivência. Ela enquadra o conflito racial dentro de uma crise mais ampla de coexistência planetária, argumentando que sistemas hierárquicos — raciais, políticos, ecológicos — se reforçam mutuamente. O futuro, nesse sentido, não é garantido; depende da possibilidade de abdicar de estruturas de poder enraizadas. Sua posição não é utópica, mas é inequívoca: viver juntos não é uma opção moral, e sim uma necessidade material.
Dawn Williams Boyd, The Third Swan, 2017. Tecidos variados, 129,5 × 208,3 cm. Cortesia da Fort Gansevoort Gallery.
Colocadas lado a lado, Chabashvili e Boyd revelam como o têxtil pode operar como um lugar de acerto de contas histórico. Em ambas as práticas, costurar é um modo de reunir fragmentos sem apagar a ruptura. Os fios ligam, mas também marcam costuras. Seus trabalhos não oferecem fechamento; em vez disso, constroem espaços onde ausência, medo, memória e responsabilidade permanecem visíveis — mantidos em tensão, não resolvidos. Ambas as artistas operam em um plano atemporal semelhante ao definido pela filósofa e curadora Chus Martínez. Em seu ensaio de 2011, “I Celebrate Myself and Sing Myself: Anachronism as a Method”, Martínez argumenta que há uma diferença decisiva entre um tempo que implica intensidade e um tempo duracional que opera segundo a ordenação estrita de informações e leituras históricas. Tanto Chabashvili quanto Boyd utilizam histórias pessoais intensas — de pessoas ou eventos com os quais se deparam — para abordar circunstâncias históricas mais amplas. Ao empregar fios de arquivo, elas fazem a urdidura de uma tapeçaria universalmente legível.
Imagem à esquerda: Tamuna Chabashvili, Guda-Nabadi, 2021. Galeria Artbeat, Tbilisi. A Map. Serigrafia sobre cobertor soviético vintage de algodão, tinta à base de água, 193 × 129,5 cm. Foto: Sera Zneladze. Cortesia de coleção particular. Imagem à direita: Tamuna Chabashvili, Patterns of (In)Security II, 2024.
Die Möglichkeit einer Insel, Berlim. Impressão digital sobre chiffon tingido à mão e corda, dimensões variáveis. Foto: Stephanie Kloss. Cortesia da artista.
Nina Mdivani é curadora, escritora e pesquisadora nascida em Tbilisi e radicada em Nova York. Possui graduação em Relações Internacionais pela Universidade Estatal de Tbilisi e pelo Mount Holyoke College, onde também estudou Estudos de Gênero, além de um mestrado em Museum Studies pela City University of New York. Sua trajetória profissional inclui passagens pelas Nações Unidas, pela Columbia University e por diversas organizações não governamentais, com foco em pesquisa política e sociológica.
Seu primeiro livro, King Is Female, que acompanha as trajetórias de três renomadas artistas georgianas em contextos sociais e artísticos historicamente dominados por homens, foi publicado pela Wienand Verlag (Berlim) em outubro de 2018, em colaboração com a Kornfeld Gallery, Berlim, e lançado na Feira do Livro de Frankfurt.
Entre suas publicações estão Anna Valdez: Natural Curiosity (Paragon Books, Berkeley, CA, 2019); Lechaki: Photography of Daro Sulakauri (ERTI Gallery, Geórgia, 2018); e The Science, Religion, and Culture of Georgia: A Concise and Illustrated History (Nova Science Publishers, Nova York, 2017). Seus textos já foram publicados em veículos como Artforum, Berlin Art Link, e-flux, Flash Art, Hyperallergic, The Art Newspaper, The Brooklyn Rail, White Hot Magazine, JANE Magazine Australia, NERO Editions, East European Film Bulletin, Le Quotidien de l’Art, post.MoMA, Overstandard, Spaghetti Boost, Indigo Magazine (Tbilisi), entre outros.
Atualmente, sua pesquisa e prática curatorial concentram-se na identificação e análise de narrativas alternativas dentro de estruturas culturais dominantes, articulando-se na interseção entre história da arte, estudos museológicos, teoria crítica e estudos decoloniais.
Tamuna Chabashvili, Traveling Tales, 2023. Galeria Les Drapiers, Bélgica. Cordão tingido à mão, impressão digital sobre chiffon tingido à mão, algodão, organza e renda; dimensões variáveis. Foto: Marc Wendelski. Cortesia da artista.
Tamuna Chabashvili é artista visual, com base entre Amsterdã e Tbilisi. Sua prática investiga arquivos, vestígios e a presença material da história. O têxtil frequentemente opera em seu trabalho como uma grade ou estrutura conectiva, funcionando como uma rede por meio da qual eventos pessoais e coletivos são inscritos. O tecido torna-se, assim, uma plataforma provisória para a memória e a experiência.
Em 2003, Chabashvili cofundou, em Amsterdã, a iniciativa artística Public Space With A Roof (PSWAR), que funcionou como espaço de projetos até 2007. Desde então, a PSWAR segue desenvolvendo projetos de pesquisa de grande escala que borram as fronteiras entre diferentes papéis artísticos, como artista, ativista, produtora e curadora. Os projetos da PSWAR já foram apresentados internacionalmente, incluindo a Kiesler Foundation, em Viena, e o Centre Pompidou-Metz.
Entre seus projetos recentes baseados em arquivo estão The Corridors of Conflict. Abkhazia 1989–1995 e Missing Monument, este último comissionado pelo Comitê Internacional da Cruz Vermelha (ICRC) na Geórgia.
Dawn Williams Boyd, Ladies Night: Lake Steam, 2012. Mídia mista, 156,2 × 149,9 cm. Cortesia da Fort Gansevoort Gallery.
Dawn Williams Boyd nasceu em 1952, em Neptune, Nova Jersey. Concluiu o bacharelado em Belas Artes (BFA) no Stephens College, em Columbia, Missouri, em 1974. Seu trabalho integra importantes coleções públicas e privadas, entre elas o Metropolitan Museum of Art (Nova York); Equal Justice Initiative (Montgomery, Alabama); High Museum of Art (Atlanta); Birmingham Museum of Art (Birmingham, Alabama); Minneapolis Institute of Art (Minneapolis); Columbus Museum (Columbus, Geórgia); Everson Museum of Art (Syracuse, Nova York); Mercedes-Benz Art Collection (Stuttgart, Alemanha); e o Richardson Family Art Museum, no Wofford College (Spartanburg, Carolina do Sul).
A obra de Boyd foi amplamente exibida nos Estados Unidos, em instituições como o High Museum of Art (Atlanta); Columbus Museum of Art (Columbus, Ohio); Everson Museum (Syracuse, Nova York); The California Museum (Sacramento, Califórnia); Mingei International Museum (San Diego); Museum of the Shenandoah Valley (Winchester, Virgínia); Brooklyn Academy of Music (Nova York); Hauser & Wirth (Nova York e Los Angeles); Brown v. Board of Education National Historic Site (Topeka, Kansas); Southwest Art Center (Atlanta); Hammonds House Museum (Atlanta); Bulloch Hall (Roswell, Geórgia); Callanwolde Fine Arts Center (Atlanta); Contemporary Craft (Pittsburgh); Kniznick Gallery, na Brandeis University (Waltham, Massachusetts); Gallery at Heimbold Visual Arts Center, Sarah Lawrence College (Bronxville, Nova York); Wofford College (Spartanburg); Dodd Galleries da Lamar Dodd School of Art, University of Georgia (Athens); e Agnes Scott College (Decatur, Geórgia). Internacionalmente, seu trabalho foi apresentado na Mercedes-Benz Art Collection (Stuttgart, Alemanha), na Hauser & Wirth (Somerset, Reino Unido) e na Almine Rech (Bruxelas, Bélgica).
Em 2021, uma exposição individual itinerante de sua obra, Dawn Williams Boyd: Woe, foi apresentada em múltiplas instituições: nas Dodd Galleries da Lamar Dodd School of Art, na University of Georgia (Athens); no Everson Museum (Syracuse, Nova York); e na Gallery at Heimbold Visual Arts Center, no Sarah Lawrence College (Bronxville, Nova York).
Imagem de capa: Tamuna Chabashvili, A Bundle, 2015. Bordado à máquina sobre tecido, aprox. 85 × 100 cm. Foto e cortesia da artista.
