Meu trabalho está sempre evoluindo, ao mesmo tempo em que existe um interesse pelo próprio tema da evolução, da decomposição e da renovação. Atualmente ele se encontra em um momento particularmente envolvido com a parte da decomposição dentro desse ciclo. Por meio de um projeto de pesquisa colaborativo no ano passado, comecei a trabalhar com composto orgânico literal como material em obras escultóricas, mas os processos de decomposição, mudança de forma e retorno à terra já eram motores importantes também em meus desenhos e pinturas.
Mesmo antes de trabalhar com escultura macia, essas formas corporais entrelaçadas já apareciam com frequência em minhas pinturas e trabalhos sobre papel. Elas possuem uma qualidade tátil que naturalmente se aproxima da escultura, e eu já as imaginava dessa maneira muito antes de trazê-las para a tridimensionalidade. O têxtil pareceu uma escolha óbvia por diversas razões. Eu, na verdade, estudei moda, o que acabou sendo um caminho longo para perceber que estava tentando forçar minhas tendências naturais a se encaixar no que eu imaginava ser uma carreira mais prática.
Pouco antes da pandemia, eu estava trabalhando em vários projetos curatoriais, e um deles — uma exposição de um único dia centrada em uma performance musical no MOCA Toronto — me deu a oportunidade de finalmente concretizar aquela ideia de escultura macia que vinha amadurecendo há tanto tempo. Eu queria que essas formas interagissem com a arquitetura do espaço e brilhassem de dentro para fora. O têxtil fez sentido por sua maleabilidade, translucidez e leveza, permitindo que as peças fossem suspensas. Essa obra acabou dando início a uma relação contínua com os têxteis, que desde então evoluiu para o uso de corantes vegetais, tecidos recuperados e têxteis biodegradáveis, combinados com composto orgânico e materiais vivos.
Minhas duas exposições mais recentes, A Lower Horizon e Hubris, Humus, estiveram particularmente engajadas com o tema do composto orgânico. A primeira foi o resultado final daquele projeto de pesquisa, que envolveu consultas com especialistas em permacultura, co-design indígena, têxteis sustentáveis, antropologia e ciência do solo. Ao longo do ano, esses colaboradores me ajudaram a desenvolver um processo para uma série de esculturas de solo — formas biomórficas feitas com têxteis biodegradáveis preenchidos com terra e composto, dos quais plantas vivas crescem em suas superfícies. À medida que plantas e micélios crescem, as “peles” de tecido se degradam, e a obra continua se transformando além do meu controle. Gosto da ideia de que essas esculturas possam oferecer uma maneira de se conectar a um lugar por meio de sua história e de sua ecologia existente, além de abrir possibilidades de colaboração com pessoas que possuem relação com aquela terra.
Penso nesses conjuntos de trabalhos como pequenos ecossistemas — cada componente depende e se constrói a partir dos outros. Algumas das espécies de plantas cultivadas nas esculturas de solo são usadas para tingir tecidos e também aparecem como temas nas pinturas. Alguns desses tecidos tingidos existem como obras autônomas e depois são costurados em formas escultóricas macias. As esculturas frequentemente se tornam referências para formas entrelaçadas nas pinturas.
De maneira relacionada, meu ateliê também está sempre se transformando. No ano passado mudei de Toronto para Brooklyn e agora trabalho em um estúdio doméstico nos fundos do meu apartamento. Ele não é muito grande, mas reorganizo o espaço estrategicamente para adaptá-lo às diferentes atividades — pintura, tingimento ou costura. Durante muitos anos tive um estúdio privado em um espaço coletivo de artistas em Toronto, e eu sabia que não seria fácil encontrar um espaço separado imediatamente em Nova York. Fiquei muito grata por termos encontrado um apartamento com um quarto à parte, que pudesse se tornar meu estúdio.
Inicialmente fiquei preocupada se trabalhar em casa pudesse ser um obstáculo, que eu sentiria falta da energia e das trocas com outros artistas. E sinto, o isolamento pode ser real, e preciso fazer um esforço maior para sair de casa e me conectar com outras pessoas — e artistas. Mas acabou que esse estúdio doméstico combina muito comigo. Gosto de entrar com meu café pela manhã e ver o trabalho do dia anterior sob uma nova luz. Há uma porta que se abre para um pequeno pátio nos fundos com árvores, e ter essa presença verde por perto realmente afeta meu estado de espírito.
Como também realizo muitas instalações públicas temporárias, grande parte do meu trabalho acontece no próprio local, então ter o estúdio em casa também funciona como um ponto de equilíbrio. O primeiro projeto de escultura de solo foi instalado durante minha residência na Open Source Gallery, no espaço The Lot, em South Slope, no ano passado. Passei muito tempo lá misturando composto, preparando o solo, plantando e regando. Eu ia regularmente de bicicleta até o local durante o verão, passando pelo Prospect Park — um trajeto quase tão ideal quanto caminhar de um cômodo ao outro. Ter o estúdio em casa me permitia circular entre os dois espaços no mesmo dia, o que acabou sendo um equilíbrio muito saudável para mim.
Sacred and Mundane [instalação na varanda], foto: Tatsumi Milori Matsumoto // A Lower Horizon [escultura de solo], foto: Katarina Gavurnik
Colocar as mãos na terra também se mostrou profundamente nutritivo em um nível pessoal, além das ideias que originalmente levaram a esse trabalho. Enquanto desenvolvia esses projetos recentes, comecei também um certificado em horticultura no Brooklyn Botanic Garden, e ampliar meu conhecimento sobre biologia vegetal e ecologia tem aprofundado ainda mais meu fascínio pelos sistemas vivos. Estudá-los torna mais difícil sustentar a ilusão da separação humana. O ego pode funcionar a serviço de sistemas de dominação e das culturas de supremacia que eles promovem, mas quando se observa atentamente plantas, solos, micróbios, polinizadores e espécies que evoluíram juntas, é difícil não se sentir ao mesmo tempo maravilhado e humilde.
Trabalhar de perto com esses materiais e estudar ecologia me faz retornar a uma tensão que acredito que todos carregamos de alguma forma: a de que nos originamos e continuamos dependentes das mesmas fontes de sustento, mesmo enquanto muitos de nós participam de estruturas que promovem sua destruição em nome de ganhos de curto prazo. As mesmas hierarquias que colocam os seres humanos acima do restante do mundo vivo também moldam a maneira como nos relacionamos entre nós, reforçando sistemas de supremacia e exploração. Sustentar essa tensão enquanto se faz arte neste momento pode ser estranho, mas acredito que buscar diferentes maneiras de confrontar e dissolver essas ideias profundamente enraizadas é necessário e fértil — e a arte é apenas uma das ferramentas para processar isso.
Fotos: Anita Goes [estúdio] & Cortesia da artista
