Meu estúdio está localizado em um bairro central de Atenas chamado Agios Eleftherios, que literalmente significa Santo Liberdade. Não é uma área badalada ou popular, mas é profundamente bela. Meus pais cresceram lá, e venho de uma família com raízes na construção civil. De certa forma, sou a terceira geração de construtores na minha família, embora minhas construções sejam menores e mais íntimas. Costumo refletir sobre como o passado molda o nosso futuro — e se podemos realmente compreender isso no presente. Veja os tijolos, por exemplo. Tantos tipos e tamanhos, todos originados de lama, terra e solo. Desde os tempos antigos, usamos a lama como argila para construir nosso entorno. Vejo o tijolo como uma evolução funcional dessa abordagem atemporal de criação.
Foto: Pinelopi Gerasimou. Cortesia da artista.
Sou tão fascinada por tijolos que dediquei uma performance inteira a eles. “Sijmen Says” é uma peça onde construo um pedestal enquanto tento me equilibrar sobre ele. A cada tijolo adicionado, o pedestal fica mais alto, tornando cada vez mais difícil alcançar o próximo tijolo. A performance é marcada por concentração intensa e suor, como parte de um ritual preciso, mas inevitável. Tijolo a tijolo, eles são empilhados para formar um “pedestal” sob meus pés. Trata-se de crescimento, construção, lançamento de fundações e escalada — tudo com o objetivo de se manter no topo. No entanto, apesar dos meus esforços constantes para manter o equilíbrio, o desfecho é inevitável: a queda.
À medida que o pedestal sobe, meu corpo — braços e pernas finos — fica cada vez mais tensionado, levado ao limite. Continuo a escalar, ajustando minha postura sem medo, determinada a completar a tarefa, mesmo quando o desafio se torna intransponível. Nisso, demonstro um nível de consciência e maturidade, especialmente no mundo exigente e traiçoeiro da performance. Não desisto, mesmo quando a tarefa se torna impossível, sabendo que o colapso é iminente e inevitável.
Foto: Cortesia da artista.
Mas é a queda que liberta todo o esforço, desvendando a absurdidade da luta e me libertando do peso das expectativas e limitações. Assim como a linguagem corporal, os materiais se comunicam conosco de uma maneira própria. Um pedestal quebrado, uma pilha de tijolos, uma ruína — cada um se tornando uma instalação própria. Em minha prática, cada elemento escultural carrega um profundo significado simbólico, cheio de associações das quais não podemos escapar. Uma barra de ferro é o esqueleto de uma estrutura de concreto, enquanto o concreto se transforma de poeira em pedra.
Recentemente, encontrei um caderno de infância onde escrevi: “Quero ser química para criar coisas químicas”. Olhando para trás, percebo que isso era eu, mais jovem, flertando com a experimentação — uma declaração de curiosidade que continua a me impulsionar até hoje.
Foto: Cortesia da artista.
Como escultora, é impossível não refletir sobre o simbolismo da materialidade. O concreto nos cerca — cidades, construções, desenvolvimento — um ambiente criado pelo homem, mas intrinsecamente conectado à natureza. Às vezes, os materiais precisam de um empurrão, um movimento, um pulso. Minhas obras costumam ser ativadas por performances, transformando esculturas em objetos funcionais – não funcionais. Nas minhas performances, a ideia central surge da ação humana. A presença do artista cria um diálogo vívido e interativo com o público. A comunicação física naturalmente promove uma compreensão compartilhada e, para mim, a performance é o meio ideal para transmitir ideias.
Foto: Cortesia da artista.
Em muitas das minhas obras performativas, trato o corpo como uma ferramenta de capacidades limitadas — frágil e incontrolavelmente repetitiva. Por exemplo, na minha recente exposição individual na Fundação Theocharakis, localizada no centro histórico de Atenas, criei uma instalação intitulada “Maneiras de Perder Energia”. Grandes painéis cobertos de folhas de ouro adornavam a varanda do quinto andar, um espaço que antes abrigava um banco e que agora tem vista para o Parlamento Grego. A instalação apresentava uma disposição industrial de células fotovoltaicas, criando uma condição oxímora — não utilitária — à medida que refletia principalmente a luz do sol, perdendo gradualmente seu valor com a degradação do material. O vento enrugava o ouro, fazendo-o rasgar e espalhar-se em flocos pela cidade.
No segundo andar, os espectadores encontraram “No_Body”, uma performance em que dois dançarinos participavam de um jogo infantil, manipulando folhas de ouro com a respiração, tentando mantê-las no ar. Esse esforço paradoxal e fútil — de manter “algo” suspenso — comentava sobre a natureza efêmera do poder e do valor financeiro. O sopro repetitivo enrugava a folha de ouro, eventualmente rasgando-a, simbolizando a decadência simultânea do material e da vida humana.
Foto: Eftichia Vlachou. Cortesia da artista.
Fico fascinada por como o ritmo frenético da indústria explora e abusa da natureza. Como a indústria é feita pelo homem, e o homem faz parte da natureza, então não estamos vivendo em uma era de natureza artificial? A catástrofe climática é como o clima: está em toda parte e o tempo todo, o mundo sensível tornado evidente. Em 2023, criei uma obra que explorava temas de beleza, destruição, vida e morte, apresentando as forças naturais e artificiais, visíveis e invisíveis, que impulsionam as ações humanas e que levaram à crise climática. Na era do Antropoceno — onde os humanos se tornaram agentes geológicos, alterando os processos da Terra — as mudanças climáticas, o capitalismo tardio, as pandemias e a rápida urbanização causaram desastres sem precedentes e uma profunda dor pela perda de ambientes naturais e de vidas humanas.
Em “The Day Before the Western Wind,” apresentei um corpo de trabalho focado na degradação ambiental e na intervenção humana, ambientado em uma paisagem pós-apocalíptica. A peça trazia uma cena floral feita de argila preta, combinada com materiais encontrados após o incêndio de Mati em 2018, o mais letal da história urbana moderna da Grécia. Transformei peças de carros queimados em uma floresta que emergia ou se deteriorava a partir de tecidos dispostos no chão. A instalação, exposta à luz UV, fazia com que as superfícies dos tecidos, tratados com substâncias fotossensíveis, mudassem, colocando o processo artístico no centro da exposição. Ao expor os visitantes aos danos da luz UV, trouxe à tona a ameaça ambiental, tornando a experiência ao mesmo tempo artística e visceral.
Foto: Cortesia da artista.
Através desses gestos escultóricos, busco reexaminar as consequências das atividades humanas. Construo um mundo de terra e cinzas que homenageia a natureza, convidando os espectadores a refletirem sobre nosso futuro.
Foto: Cortesia da artista.
Espero que meu trabalho levante novas questões sobre a natureza das nossas relações essenciais — tanto uns com os outros quanto com os ambientes que habitamos, sejam eles artificiais ou naturais. A cada novo desafio, procuro expandir meu entendimento intelectual e minha empatia. Sempre vi minha prática como uma experiência coletiva, e não como uma jornada solo. É por isso que colaboro com outras pessoas, sejam performers, dançarinos, cientistas ou até atletas olímpicos. Interagir com indivíduos de diferentes áreas impulsiona meu trabalho em direções inesperadas e oferece novas perspectivas. Uma das coisas mais emocionantes na arte é sua inclusividade — não há barreiras para quem quer participar. A arte pode servir como um caldeirão cultural, um terreno fértil para troca e diálogo sobre questões contemporâneas. Ela é a única maneira verdadeira de existir: por meio das pessoas que enfrentam dilemas, desafios e questões éticas semelhantes.
Foto: Giorgos Athanasiou. Cortesia da artista.
Você pode saber mais sobre o trabalho da Despina acessando aqui: @despina_charitonidi // despinacharitonidi.com/
Foto: Pinelopi Gerasimou. Cortesia da artista.
Despina Charitonidi’s work has been presented among others; Theocharakis Foundation, Greece, (2023), Atopos CVC, Athens (2023); Eins Gallery, Cyprus (2023); Microclima Festival, Venice – Cinema Galleggiante, IT (2022); 2022 Changwon Sculpture Biennale, South Korea (2022); Museum of Contemporary Art Vojvodina, Novi Saad for the Serbian Pavilion Venice Biennale (2022); Callirrhoë, Athens (2021); Alkinois Project Space, Athens (2021); Ύλη(Matter)Hyle, Athens (2021); “Gemeinsamkeit und Kollektivität trotz Distanz”, Zentrum für Kunst und Urbanistik, Berlin (2021); Hydra School Projects, Hydra, Greece (2020); 2023 Eleusis – European Capital of Culture, Greece (2018); Utrecht Centraal Museum at Hoog Catharijne, Netherlands (2015); and MACRO,Rome Museum of Contemporary Art, Rome (2013). In the summer of 2023 she presented “Bodies floating into the land” under the context of All of Greece One Culture, at the Temple of Poseidon in Tinos island, with the support of the Greek National Opera and Hellenic Ministry of Culture and Sports.
